Le divierte la idea de que nadie pueda definirle con menos de dos palabras. Javier Álvarez es un compositor e intérprete a medio camino entre la frivolidad y la hondura, entre el intimismo y la pista de baile, siempre dispuesto a giros inesperados. El propio Javier nos ayuda a definir una obra singular, marcado por la desobediencia a los mandatos de género, la reivindicación de la fragilidad y el poder liberador del humor.
De los barcos y bares de Mindelo al teatro Olympia y la alfombra roja de los Grammy. La reina de la morna, la diva de los pies descalzos, alcanzó el éxito internacional a los 50 años, y exprimió hasta el final sus días cantando la historia de Cabo Verde.
Con sus uñas pintadas y su liga roja, el líder de esta banda de rock bilbaína se despoja de las camisas de fuerza de género, invita a jugar con la ambigüedad y canta desde la periferia.
Con demasiada frecuencia, el nombre de Cecilia evoca a una mujer dulce interpretando canciones amables y cristalinas. Nada más lejos de la realidad. Bajo sus cenefas, el repertorio de la artista madrileña bombea todavía crítica social, una mirada despiadada hacia la burguesía y un deseo voraz por escapar de un mundo que quisieron construir a su medida.
La prensa lo recuerda como el “gran mito del glam rock”, pero su frenética capacidad de reinvención aportó una fascinante expedición sonora y un mensaje: que la diferencia es hermosa e infinitamente más seductora que la uniformidad y el gregarismo.
Tal vez porque las demandas de libertad, justicia y dignidad conforman un aullido interminable, la música de Mercedes Sosa se mantiene siempre fresca, siempre vigente. Cantaba para hacerse entender por quienes necesitaban una canción de alivio, estimulándoles a levantarse. Su historia, como la de América Latina, es un relato de lucha infatigable. Como dijo alguien: si Latinoamérica hablase, lo haría con la voz de La Negra.
Hija de exiliados chilenos durante la dictadura militar de Pinochet, Ana Tijoux (Lille, Francia, 1977) ha logrado posicionarse en los últimos años en la vanguardia del rap conciencia latinoamericano, situando su música en lugares codiciados por muchas 'femcees': en la serie ‘Breaking Bad’, donde sonó su canción ‘1977’; en los premios Grammy norteamericanos y latinos, a los que estuvo nominada durante cinco años seguidos; o en la colección de discos de fans ilustres como Thom Yorke, de la banda inglesa Radiohead.
“Por medio de la rima hacemos que muchas mujeres griten, hablen, que sean escuchadas. Que con cada canción sientan que no están solas, que estamos vivas y que somos libres de pensamiento. Que su lucha es nuestra lucha, y que no es en vano”. Estas palabras de la rapera caraqueña Anarkía Ruiz capturan la conciencia del rap feminista en Latinoamérica. Una corriente en continuo crecimiento que trata de restablecer los conceptos de diversidad, respeto e igualdad en la cultura hip hop.
El inesperado éxito de Antony And The Johnsons, que arrancó en 2005 con la calurosa recepción del single ‘Hope There’s Someone’, supuso un importante avance en la visibilización de las personas transgénero en el mundo de la música pop. Desde entonces, Antony no ha dejado de aprovechar su posición privilegiada para reivindicar a aquellas expresiones de género instaladas en los márgenes de lo normativo.
En 1991, un hombre de 24 años llamado Kurt Cobain trastocó la industria musical al convertir su disco ‘Nevermind’, un fragmento de cultura punk rock, en un éxito millonario. El fenómeno hizo real una idea tan poderosa que parecía inconcebible: de la noche a la mañana, una estrella del rock masculina que pulverizaba todos los clichés de las estrellas del rock masculinas, se deslizaba con un mensaje feminista, antirracista y anti-homófobo en la conciencia de toda una generación.
Kim Gordon, cantante, bajista y cofundadora de la banda Sonic Youth, renuncia a su estatus de icono pop y entrega un inusual modelo de autobiografía, muy alejada del actual culto a la celebridad. La suya es, ante todo, la historia de un largo proceso de reinvención, y el relato de una mujer que lucha por abrirse camino en un mundo lleno de imposiciones.
Desafiante, contestataria, peleona. Nina Simone poseía todos los rasgos de carácter que raramente se le perdonan a una mujer. Luchó contra molinos de viento para convertirse en la primera concertista negra de piano clásico, aunque las circunstancias la empujaron en otra dirección: ser una de las pocas mujeres en el mundo del jazz que destacó a la vez como cantante, arreglista, instrumentista, compositora y activista.
Nadie cantó las palabras “hambre” y “amor” como Billie Holiday. Y todas sus canciones eran la misma canción: fragmentos del pecado original de haber nacido mujer, negra y pobre en una sociedad despiadada y racista. Más de medio siglo después de su muerte, el legado de la vocalista de jazz más importante del siglo XX permanece inmarchitable, esperando nuevos desafíos.
“Necesitamos iniciar una revuelta de chicas [girl riot]”. Con estas palabras, la activista Jen Smith respondía en 1991 al abatimiento a tiros, a manos de la policía, de un joven inmigrante salvadoreño en las calles de Washington D.C. Pocos meses más tarde, su deseo desembocó en un estallido de energía colectiva, que generó un espacio de empoderamiento femenino sin precedentes en la historia del rock.
Pudo haber entrado en la leyenda negra del pop, esa que se alimenta de existencias envueltas en sombras, finalmente truncadas. Pero ella eligió pelear, documentando su lucha en un puñado de discos que son un canto a la redención. En la portada de uno de ellos, dos guantes de boxeo penden de un colgante, listos para reposar sobre su pecho. Nadie como Cat Power para exhibir el trofeo.
Fue un compañero de profesión, David Crosby, quien dijo de ella que es “tan buena poeta como Bob Dylan, y mucho mejor músico”. Joni Mitchell atesora muchas otras medallas: cincuenta años de carrera ajena a las concesiones, y un puñado de discos destinados a marcar nuevos caminos en la canción de autor contemporánea, que han influido a artistas como Tori Amos, Cat Power o k.d. Lang. Todavía rebelde e incorruptible, ésta es parte de su historia.
Poseída por un estilo febril y desaforado, La Lupe construyó su mito entre La Habana y Nueva York, donde se convirtió en la primera mujer en conquistar el escenario del Carnegie Hall. Para ella, no existía distancia alguna entre vida y obra: vivió como cantó, forzando todos los límites, y se mantuvo firme hasta el final ante quienes trataron de domarla. Sus grabaciones, auténticas turbinas de energía afrocubana, hay que oírlas para creerlas.
Surgida de un mundo de pobreza, curtida en la vida errante, Lydia Mendoza pasará a la historia como la primera estrella musical femenina surgida de la comunidad chicana. Sus principales credenciales fueron una vieja guitarra, una canción-emblema que dinamitaba estereotipos machistas y un inquebrantable posicionamiento del lado de quienes sufrían una existencia marginal. Con ellas, ésta “cancionera de los pobres” conquistó la Casa Blanca y se convirtió en un símbolo ineludible de la cultura hispano-mexicana.
Negra, lesbiana, gorda, ruda. Compositora y multiinstrumentista, poseedora de un estilo único e incendiario tanto en los slow blues como en el repertorio que anticipaba rock’n’roll. Cantó 'Hound dog' años antes que Elvis Presley, con una actitud que dinamitaba las expectativas de género en la música popular. Fue un importante enlace entre las estrellas del blues de los años 30 y los iconos femeninos del rock, como Janis Joplin. Pese a ser una pionera, vivió un carrera artística en relativa sombra.
